摄影作品绝不是细节和技术的堆砌

　　摄影作为艺术来看其实还是挺后期的事情，早期摄影为了膜拜绘画的效果做了不少模仿的事情。直到后来摄影的"纪录性"得到重视，才脱离美术的范畴。摄影拍摄的永远是基于真实事务的画面，摄影作品绝不是细节和技术的堆砌，而是真实故事和情感的传达。读者不是在看画，而是在试图看懂一个故事、感受一种氛围。不管拍出来效果如何，拍的东西一定是现实世界中存在过的，!以下是学习啦小编为你整理摄影作品绝不是细节和技术的堆砌，希望能帮到你。

　　对拍摄内容的深度理解

　　无论是人像，风光还是静物，对拍摄对象的深刻理解，需要的是真正的专业热爱，和长期的深入实践。一幅好的作品，在拍摄之前需要做多少专业细致的准备，这是很多人很难想象的。并不是很多人以为的那样，随随便便到现场就拍出大片了。

　　以风光摄影为例，可能准备计划期长达半年甚至数年。同一个景点，可能一年之中，水位、天相、花期等等恰到好处的拍摄机会就只有几天，如果不懂的话就只能撞运气了。

　　季节、潮位、花期、星象、云雾、极光概率、火山活动等等都需要了解;普通游客、摄影师和当地人的照片、攻略、游记、路线都要细读分析;平面地图和3D地形图上，反复模拟现场机位，甚至多次前往实地考察。

　　一张好的风光作品，拍摄前做的工作可以很多。除了准备工作外，摄影师对内容的深刻理解，还反应在了构图上。普通人见山是山，见水是水。而摄影师，看到山的时候就会想：

　　这座山的形态和方位是怎样的，哪个角度、什么时候的光线照出来立体感最好?

　　山附近有哪些可以衬托的前景?村镇、花丛、湖泊还是峡谷?

　　摄影作品绝不是细节和技术的堆砌

　　摄影是视觉的语言，一张摄影作品存在的目的就是拿去给读者欣赏，尽管这读者也许就是作者自己。 所以讲摄影的构图就必须讲读者的视觉。

　　人眼近似于一个22 - 24毫米的镜头。 光线经过眼睛，聚焦在视网膜上形成人所看见的图像。 视网膜是个很了不起的传感器。 它的静态宽容度大概只有10档，和低档数码相机差不多。

　　但是人眼不断在扫描，并在扫描的同时根据外界的明暗调整瞳孔。 经过动态调整的人眼，宽容度可以高达24档，远远超过任何现代相机的传感器。不仅如此，人眼能够分辨一千万种颜色。

　　很多初学者往往为一张摄影的“真实性”争得不可开交。 其实这样的争论没有绝对的意义，因为任何相机要真正地记录人眼所看见的“真实”画面，必须经过后期合成。

　　那么人眼所看见的画面就“真实”吗? 人的视网膜只有中间1.5毫米直径的“中央窝”是高像素的传感器，周边部分离中心越远分辨率就越低，而且近乎色盲。最高分辨率的视野只有一度左右。 要看清一个画面，人眼必须不断转动，用中央窝来记录一张张小图，再经过大脑的后处理拼图合成一个大图。

　　存入脑海的图像，已经不是人眼里的原始状态了。 所以后期是人眼和摄影都必须经过的环节。 一个摄影者如果不做后期，在亚当斯时代就已经不是一件值得炫耀的事情，更不用说是在今天。

　　当一个人看见画的一刹那，他并不能马上看见画的全部细节，而是要用眼睛极窄的视野不停地扫描画面。 这就决定了人的注意力在一个特定瞬间只能是集中在一个点上。 要研究摄影的构图，必须要搞清楚人眼的视线移动规律。

　　Alfred Yarbus是一个苏联的心理学家。 他在上世纪50到60年代对人的视觉做了大量研究。他发明了一套仪器，给许多志愿者戴上，并用俄国画家Ilya Efimovich Repin的一副画来研究每个看画的志愿者的视线轨迹。

　　Alfred Yarbus发现人的视线会被吸引到细节和反差丰富并充满信息的兴趣点上。 不仅如此，他还进一步发现信息丰富并不是视觉停留的主要原因，读者是在试图从这些兴趣点上看懂画的内容。当视线从画中一个人的面部跳跃到另一个人的面部，读者的不是在看画，而是在试图看懂一个故事。

　　网络时代的一张作品，读者只会给半秒钟的机会。 一张成功的摄影作品，并不简单是细节和反差的堆砌。 它必须要抓住稍纵即逝的黄金半秒，引导读者的视线进入主题，而不是把读者的宝贵时间浪费在不该停留的地方。没有争取到起初的半秒钟，读者的视觉便会立刻离开画面而去。

　　绘画是加法，一个绘画者会主动地选择与主题相吻合的元素从无到有地画上去，绝不会浪费精力去画一些可有可无的东西。 摄影的过程则是个减法，现实世界充满了兴趣点，摄影者的责任是留下与主题相符的元素而排除无用的兴趣点。

　　初学者所犯的错误往往就在于画面的取舍：包括太多不相关的元素，为细节而细节，为色彩而色彩，为焦味而焦味。 任何艺术创作的原则都是内容决定形式，而不是本末倒置。

　　画面里兴趣点的排列组合就是构图。 构图的目的便是合理地安排这些元素，突出主题，留住读者的视线

　　以前反复讲到一件摄影作品成功的要素之一就是震撼力。 何为震撼力? 摄影既是视觉的语言，这里说的震撼当然便是视觉上的冲击，简单说来无非就是作品让读者看了心动。

　　一个成功的风光和自然摄影师可以使用很多手段造成视觉冲击力: 比如捕捉独特的光色和气候等环境元素和动物界的精彩瞬间造成视觉的震撼;利用超广角，超长焦，微距，包围曝光，HDR等等超越读者视觉习惯的夸张手段吸引读者的注意力;使用各种巧妙的构图手法体现超越读者想象的张力。

　　但是读者感受到的震撼力，除了这些爆炸性的冲击波之外，往往还来自普普通通的氛围，涓涓流水般的触摸。 这种似曾相识的感觉，往往能满足读者心灵深处的某种渴望。

　　对于一个人(读者)来说，哪些物体最是似曾相识呢? 第一便是人。人与人之间的共鸣是与生俱来的共性，无与伦比。 北美的风光摄影一般要求作品中杜绝人的痕迹(hand of man)。 这样做是因为人在画面中出现，无论多么渺小，人所带来的视觉吸引力是其它自然界物质所难以匹配的，这必然使之成为作品的主体。

　　这样的风光作品已经不能算是纯粹的风光摄影。 但是人也是天地万物之一，不一定非要站在自然界的对立面不可。 一个摄影师如果恰当地利用人在风光里的地位，往往会给作品带来意想不到的震撼。

　　这是犹他州的一处石壁，我有意识地让人出现在景中。尽管人在画面里已经小到不能再小，人与人之间强烈的共鸣让读者第一眼的注意力便是洞中之人，而不是石壁。人与人之间共性，又让读者毫无疑问地了解到画中之人的尺寸，随之而来所领略到的便是这片峭壁的壮观气势。 没有这个人，读者把它当作路边的一块顽石也未尝可知呢。

　　风光摄影有人性化的共鸣，野生动物摄影的故事性便更是重中之重。 没有故事的野生动物摄影与纪录片没有什么区别，就像四光圈的杰夫老师常说的“一只呆鸟”和“一只会飞的呆鸟”而已。

　　东非草原的一对斑马，本来是一对与人类无关联的生物。 有了它们的互动，便有了人性化的故事。 也许它们正在你死我活的打斗之中，但是这一瞬间给人的却是温馨。 读者不是在看斑马的真实故事，而是把自己的故事赋予了这对斑马。 有了读者自己的故事，作品便有了深度，作品里的生物也便具有了作者和读者所倾注的人性。