艺术设计本科毕业论文
在当今竞争日益激烈的社会中,艺术设计对于推动一个国家的进步与发展,起着非常关键的作用。下文是学习啦小编为大家整理的关于艺术设计本科毕业论文的范文，欢迎大家阅读参考!
艺术设计本科毕业论文篇1
论艺术设计学
摘要：艺术设计乃是一个技术和艺术融通的边缘学科，其内涵虽然也渗透到实用的造型计划中，但主要是指实用的美的造型计划。本文对艺术设计学的形成和发展、性质和特点、内容以及艺术设计训练的终极目标等问题进行了论述。并指出艺术设计学必将充分利用现代科学技术条件和多学科的协作，更好地满足人们物质上、精神上对于艺术设计的需求，为人类提供适合现代的、更美好的生活环境和生活方式。
关键词：艺术设计学 设计 技术 艺术
一、艺术设计学的形成和发展
设计是计划，是寻求解决问题的途径和方法。它既不限于事先构想，更不排斥实践，是人类智慧和技能表现得最为充分的领域;它涉及人类一切有目的的活动。例如造物，从原始到现在，造物的种类和数量不计其数，而在造物活动中，使物蒙受艺术光彩的因素就是“形”。作为一种创造行为，设计就是将某种观念转化为实体(给予特定的形)的过程;也是利用某些物质材料，在特定空间中“创造物体形象”的计划。考察物的造型过程，即可发现：
1.设计(即计划)是造物过程的中心环节。它源于需求，规约制作，决定使用。由此可见，自原始时代人类开始制造工具以来，设计就是人类不可缺少的实践活动。
2.产业革命迅速改变了手工艺者个人从事设计与制作的情况，出现了设计师这个新职业。造型计划也随之从混沌的生产关系中独立出来，这才产生了设计学及其后的发展。设计学是研究产品造型及其环境的学科，旨在总结人类设计活动的经验，以指导设计创作，创造某种体形环境。它的内容包括技术和艺术两个方面。(有人反对用这样的观点来谈问题，但学科细分化却是科学发展的历史事实。分化与综合是有机不可分割的两个方面，没有分子的分化，哪来量子力学的发生和发展?)
3.随着社会经济的发展和对设计的关心逐步加深，设计对象不断扩大。于是，造型计划又有了更细的分化。
其一，造型计划的性质有所不同。若将其按功能性、使用性或相反的无用性、无观赏性的要求进行整理，则造型计划的范围如下表所示。
通常我们所看到的造型，多是对材料和物体进行组织或加工、综合。这是专门研究“物与物”关系的机能造型和以“物与人”关系为目标的造型。前者的计划主要在工学方面(基于工学的知识和技术)进行，例如齿轮、发动机、人造卫星等。而后者，则还必须考虑人类的身体和心理。即便是后者，又有把使用者的生理条件作为设计重点的，即把人作为活动的物体来处理，例如驾驶座的设计。以上，一般被称为“工程设计”①。也有重视使用和接触制造物之人的生理与心理条件的(即寻求心理的、生理的、物理的条件的均衡)，例如衣服、家具、住宅的设计等。这种计划常常不能用复杂的计算去解决，而更强调艺术感觉。此外，还有使用物体和物质来表现形象和色彩，以吸引注意，并打动受众的心，传达某种意义。此种情况是把造型作为作者与观众精神联系的媒介，通过物来建立“人与人”的交流关系，例如宣传画、广告等。以上，都被称为“艺术设计”，余者则属于“纯美术”②。
由此可见，艺术设计乃是一个技术和艺术融通的边缘学科，而并非理工科或者纯艺术的分支门类。再加上其又以实用性为基础，这就是为什么要叫“艺术设计”而不叫“设计艺术”的原因。艺术设计不是“艺术和设计”(写作“艺术•设计”)，而是对design的意译(在国外，“设计”和“design”也是分别使用的)，其内涵虽然也渗透到实用的造型计划中，但主要是指实用的、美的造型计划。在这个领域中，复杂的公式和高等数学的计算方法无济于事，本质的东西在于以简化的公式为基础的方向性的估测，被称为“以直观为基础的力学意识和为探索方向而迅速、大致的估算”(属于直观感觉的技术经验领域)，从而才有了艺术设计师自由驰骋并充分发挥自己聪明才智的空间。在实用的造型领域中，绝对不变的物理法则的因素变得越来越重要，艺术设计师只能密切配合工程师的工作，做二度创造(人性化设计)。而在纯粹美的造型领域里，则是美术家纯感性的专业范围(尽管有所谓“美术的工艺化”，那只是特种工艺，而不是艺术设计的主体)，但艺术设计却可以帮助纯美术将“只可意会”变为“可以言传”的科学③，破除玄学。
其二，机械以机能价值为目的，却是为了人类而存在，所以必须适合人类并有秩序。遗憾的是，近代的科学技术排除了难于定量化的人类要素和社会道德等方面，只遵从容易对象化的自然法则，这样才在物的方面完成了急速的发展。不过，“无时求有，有时求好”。在科学技术高度发达和普及的时代，机械的形态也应该是美的，应该是反映一定时代人们的审美观念和社会艺术思潮的艺术品。因为美与真、善一起是人类最根本的愿望，具有最重要的价值。而且近代的产业组织又要求一切方面的专业化，于是，艺术设计学作为新的职业而诞生，并有了日益扩大的发展空间。这一点，完全可以由工业设计④的诞生得到证实。
传统的设计领域只有图案设计、工艺美术和建筑学。到20世纪初期，作为现代主义运动的一部分，视觉传达设计、工业产品造型、环境设计(室内设计和景观设计)才逐渐发展成为设计领域的独立分支，并统一为“艺术设计”。这是一种崭新的视觉文化，它将新的视觉现象(大众社会、批量生产的工业产品)与艺术、广告以及新媒介结合为一体。
二、艺术设计学的性质和特点
艺术设计的产品是社会物质文明、精神文明的集中表现。从原始社会以来，造物活动始终在社会生活中占有十分重要的地位。我国历来以“衣、食、住、行”来表达人类生活的基本要求。艺术设计学产生于人类的造物活动，又服务、指导着人类的造物活动，从而创造出新的生活方式。所以，如何应用造型技术和艺术来创造合适的环境以满足各种社会需求，是研究艺术设计学的根本任务，也是艺术设计学最基本的社会性质。
艺术设计学服务的对象不仅是自然的人，而且也是社会的人;不仅要满足人们物质上的要求，而且要满足他们精神上的要求。因此，社会生产力和生产关系的变化，政治、文化、宗教、生活习惯等的变化，都密切地影响着设计的技术和艺术。此外，艺术设计学的美学意识自然受到社会思想潮流的影响。这一切说明艺术设计学发展的原因、过程和规律的研究绝不能离开社会条件，不能不涉及社会科学的许多问题。
艺术设计学是融技术⑤与艺术为一体的应用学科，它不是“艺术与技术”的相加，也不是“艺术与技术”的相乘，而是融合。无论是古代还是现代，任何一件从美学观点上公认的杰作在技术上都是一件优秀的作品。这足以证实技术与艺术的融合关系，其具体表现为：
1.艺术设计追求机械和人的关系有机化。所谓有机化，就是把近代科学、技术纲目很难抄取的美、善、社会正义等对人类社会来说最珍视的要素，挽回到狭义的技术中，使物-人-社会的关系变得更和谐。也就是说，艺术设计师是在工程技术所提供的可行性条件下进行艺术创作的，所以艺术设计不能超越当时技术上的可能性和技术经济的合理性。而作为技术要求的约束总是保持为一个自由度的界限(只作为单一的下限或上限)。这个自由度将允许任何一个艺术设计师的创造性，即使在严格的技术约束下，也能创造出实实在在的艺术品。反之，在一定条件下，艺术又会促进技术的研究和发展。
2.艺术设计师是凭经验和感觉去解决问题的，但这种经验和感觉与艺术家不同，是把计算与直观综合起来，把一个技术上正确的工程变成一项真正的艺术品。所以，千万不要让学生认为艺术设计学的学位就等于一个艺术家的毕业证书。艺术设计师是一个营造师，他以人类所知道的最难于表现的语言，也就是功能的、力学的、施工技术的语言来解决具体问题，并使它具有美的形式。不过，艺术设计师也不同于工程师：艺术设计师必须以简化的公式或方向性的估测来理解和掌握力学——施工的领域，为的是能够创造新型结构的造型方案，并大致定下尺寸。而对工程师来说，则应该有足够的数学理论知识，才能够对已确定结构的各个部分予以分析，并定出精确的尺寸。简言之，工程师能给人以规矩，不能与人巧;艺术设计师则于规矩之外，更与人巧。盖非精熟规矩，不足语于巧。
3.在纯美术的创作中，美术家可以不受社会、经济、文化、生产等条件的制约，可以异想天开、随心所欲地去创造。而在艺术设计的范围内，由于受生产、技术、使用和消费等条件的制约，创作必须满足大多数人的需要，必须创造出一种适应人们普遍心理、视觉经验和审美趣味的形式和内容。必须在充分考虑社会、文化、经济以及生产技术的前提下，在一定的设计意念引导下进行创造。确切地讲，艺术设计是在各种因素(机能的、直感的，生理的、心理的，共性的、个性的……)的限制中所进行的一种综合性创造。
三、艺术设计学的内容
艺术设计是艺术设计学的核心，这是因为指导艺术设计创作实践是艺术设计学的最终目的。艺术设计是一种创造性技艺，需要通过设计实践来学习。有关艺术设计的学科内容大致可分为两类：一类是总结各专业艺术设计(如视觉传达、产品造形、环境艺术等)的设计经验，按照各种艺术设计的内容、特性、使用功能等，通过范例阐述设计时应注意的问题以及解决这些问题的方式方法。另一类是探讨艺术设计的一般规律，称为艺术设计原理。其中，作为艺术设计基础的形态构成和立体设计是研究形态各部分的组合原理和构造方法(包括静态构造和动态构造)的学科。必须强调说明的是：设计技术不一定都是手头的工作，也不仅是仰仗手的灵巧，有不少是靠思考进行理智处理的成分。当然，大多数还是由手和眼这些人体器官的灵活动作所承担的。因此，特别是在学习的初级阶段，必须把重点放在提高并加强设计感觉及判断力方面的练习上。感觉的练习，一是靠比较(有比较才有鉴别)，二是要理解(只有理解了的东西才能更好地感觉它)，三是依照“计算-视觉化-对临-背临”的步骤，将计算转为直观化。
艺术设计史研究艺术设计、艺术设计学发展的过程及其演变的规律，总结教训，以利其发展。研究人类历史上遗留下来的有代表性的艺术设计实例，从中了解前人的有益经验，一边为艺术设计汲取营养，一边又成为掌握潜在的时代性和民族性之关键。
艺术设计理论因为“年轻”尚未达到十分科学的程度，留待研究的领域还很多。例如探讨艺术设计与经济、社会、政治、文化等因素的相互关系;探讨艺术设计实践所应遵循的指导思想以及艺术设计的技术和艺术的基本规律。艺术设计理论与艺术设计史两者之间有密切的关系。
艺术设计是一种创造行为，故而艺术设计理论必须是设计师能够根据自己的意图自由驾驭的。也就是说，要有可操作性，否则只能束之高阁。
四、艺术设计训练的终极目标
艺术设计的终极目标在于通过造型及其组合，控制欣赏者的观赏运动，以达到宜人之目的。印刷设计是控制人的视点运动;工业设计是控制人的视点和绕观运动;室内设计、建筑设计、园林设计、城镇设计则是控制人的视点和亲历运动，并通过此举调动人的思维活动，从而影响人的思想感情的变化。另一方面，在大千世界中，运动的形态又是最引人注目的形态。由此可知，创造运动变化的形态是多么重要。
所谓运动变化的形态，并不一定是真实运动的形态。在造型活动中，最普通的是创造有运动感觉的空间形态。换句话说，就是创造“不动之动”。即：客观形态是不动的，给欣赏者的感觉却是运动变化的。这是因为，欣赏者的视点在动，欣赏者的人身在动(绕观或亲历)，并由此带动了欣赏者的思维运动，从而产生了“超乎象外”的“惊人”效果。这就是所谓“形态的生命活力”。
中国传统造型理论早就把生物生长运动的形态与人的品格和精神联系起来，并且论述了运动变化的形态所给予人们的影响。这种不动之动(亦称“空间张力”)共有七种：
⑴ 主要导向——水平的(暗示低能量、平静的)与垂直的(暗示高能量、兴奋的)方向。
⑵ 框围的磁力——画面的框围、银幕的四边，对靠近它们的物体施展强而有力的拉力，尤其是四个角(两个主要导向——高度与宽度聚合的地方)大力地牵引着附近的物体。
⑶ 块体的牵引——大的块体比小的块体更具独立性、更稳定，块体越大，其牵引力越大。
⑷ 画面(银幕)的不对称——我们倾向于把焦点放在画面(银幕)右边的物体上。这种左右不对称同时也决定我们把倾斜知觉为上坡或下坡。
⑸ 图形和背景——人们把图形(经验或群化)当作物体知觉;而背景只是“无遮蔽”的画面范围的一部分。图形位于背景之前，是被包围的领域;背景是包围的领域，好像在图形后面延续。分隔图形与背景的线条属于图形，而不属于背景。图形比背景不稳定，与背景相比，图形看起来像要移动似的。
⑹ 心理描绘——采用最少的线索去充实心理上不存在的资讯，而达成一种易于处理的图样。具体内容有“整平化与尖锐化”⑥、“力象”⑦等。低鲜明度的影像强迫我们变成积极的参与者，只有在促进而非阻碍心理描绘时，才见美学价值。
⑺ 诱导力——把我们的眼睛从一点领到另一点上去的力。如果仔细查验视觉诱导力所运作的不同途径，很容易发现诱导力的三种类型：
轨迹诱导力：由可领导我们眼睛到某特殊方向的静态因素创造出来(透视消失线、位移和梯度)。
动势诱导力：由某些东西确切地指着一个特殊方向而创造出来(注意方向、动势和箭头)。
位移诱导力：由实际上移动的物体或看起来在画面上移动的物体创造出来。
总之，运动感是激发感官并因此对机体产生效应的物质能量(刺激)。发出运动或“不动之动”的刺激的形体是刺激物。运动变化的表情因素有：节奏、速度的快慢，动作幅度的大小，形状的曲直，张力的大小，方向的确定与含混，内在支配力的主动、被动等。所有这些，都是艺术设计师应该掌握的能力。
五、展望
经济愈发达，生活水平愈高，艺术设计愈显得重要。这种趋势促使艺术设计学同其它许多学科相互渗透。社会学、环境工程学、设计心理学、系统工程学、市场学等正在并将继续对艺术设计学产生影响。这就大大扩展了艺术设计学的研究领域和研究深度。艺术设计学必将充分利用现代科学技术条件和多学科的协作，更好地满足人们物质上、精神上对于艺术设计的需求，为人类提供适合于现代的更美好的生活环境和生活方式。
注释：
① “工程设计”遵从自然法则，应用科学、工学原理，按照其目的形成部件和部材，并被组合成有机的结合体。也就是说，通过工学的广阔的知识和经验，在机能概念和实体之间寻求最适解的行为是工程设计。
② 纯美术的创作，常常限定为独立的系统(只研究一种形式、一种形态)方能构成风格与流派。这种表现常常以符合个人的意愿、性格为原则，而创新又常常成为对艺术价值进行评价的惟一标准。
③ 科学是人们对未知世界的探索，它主要回答“是什么”、“为什么”，表现为知识形态，属于人类的精神财富。它是没有眼前和近期效益的。科学的成果属于全人类，因此科学没有国界。
④ ICSID(国际工业设计学会理事会International Council of Societies of Industrial Design)为工业设计所下的定义是：“就批量生产的工业产品而言，凭借训练、技术知识、经验及视觉感受而赋予材料、构造、结构、形态、色彩、表面加工以及装饰以新的品质和资格，这就叫工业设计。”
⑤ 技术是劳动手段、工艺装备和加工技艺的总和，它解决“做什么”、“怎么做”的问题，表现为物质形态，属于创造物质财富的实践领域。技术要进入商品流通领域，创造社会和经济效益，因此，它是保密的。
⑥ 在心理学中，为了使暧昧的图形意义清楚而把某部分省略以便理解，叫做使平直，即整平化;若做强调理解，则称为尖锐化。
⑦ 指内力运动变化的形态，是一种不凭感官只凭经验记忆和理解，而在想象中出现的形象。
艺术设计本科毕业论文篇2
浅谈高校艺术设计
摘要：艺术是人类文明多年积攒的文化精髓，是很值得我们后人学习和效仿的，在前人积累经验的之上，不断汲取和吸收营养，转化为自己的知识，我们才能推陈出新，设计出属于自己的艺术。
关键词： 高校艺术;创新;积极性;建议;展望
0 引言
艺术设计是一门独立的艺术学科，它的研究内容和服务对象有别于传统的艺术门类。同时艺术设计也是一门综合性极强的学科，它涉及到社会、文化、经济、市场、科技等诸多方面的因素，其审美标准也随着这诸多因素的变化而改变。艺术设计从理论上讲，就是从多角度、多方面考虑，把具有的功能作用适当的表现出来，再通过一定的物质形式和工艺技术，运用很好的艺术手段，对美的领悟进行相关的设计和想象，使之成为具有某种特定作用和审美价值、文化色彩、审美性较强的欣赏品的创作品。
学生作为未来社会的建设者和接班人，在艺术设计方面尤其是重中之重。在新的时代，对于人才的要求更加严格，德、智、体、美、劳全面发展，在物质世界丰富的基础之上，培养审美情趣，加之自己的知识体系，用一定的形式展现出来，有了自己的灵魂和精神，那就成为了艺术。学校是学生直接接受艺术的主要途径，所以教师在学生的艺术教育方面更要提出重视，在学生的教育层面，不仅要完成相应的教学目标、教学任务，更要注重学生自己本身艺术细胞的培养和审美能力的提高，让学生自己去发现美，从而主动的去创造美。
1 当代高校艺术设计的现状
传统的教学模式已经越来越不能满足学生的需求和社会的需要。在传统教学模式中，教师是课堂的主宰，一味的“满堂灌”，不管学生听没听进去，听没听懂，懂了又有多少能吸收为自己所用。一味的让学生在课上做笔记，在课下做作业。这种模式久而久之，学生就会丧失自主学习的兴趣，自己学习的能力也会相应的下降。学生自己的艺术创作能力不能很好地被激发出来，从而可能导致学生的艺术设计水平不能很好地得到提高。
再加上现在的信息技术快速发展，教学课堂模式已经越来越不能收到良好的效果。计算机的普及为教师的教学带来了一定的效果，但是又出现了新的问题，学生的过度依赖电脑的习惯慢慢形成，从而没有自己动手的能力，只依赖电脑来创作某种效果。在信息技术的带领下，一些学生没有很好的控制力，完全依靠电脑来进行设计，变得很被动，久而久之，形成了一种习惯，使自己独特的思维和创新能力变得越来越弱。
2 本人的教学经验及建议
本人就多年的教学经验，提出一些建议：
2.1 培养学生的兴趣爱好 在教学课堂上运用多媒体讲述一些学生们感兴趣的艺术设计，多欣赏、多参与，让学生从心理上培养兴趣，增加爱好。
教师可以在课堂上增加一些学生设计的相关活动，让学生积极参与进来，在活动的最后，可以进行相关的点评，促进大家成长，和学生一起进步。
2.2 努力树立学生的创新意识 在教室的教学过程中，教师要时不时的锻炼学生的创造能力，让学生从不同的角度去看待事物，从而产生不同的灵感，迸发出艺术的火花。教师可以布置相应的作业，让大家就一个主题，提出多种方案，从而相互交流，取长补短。也可以带大家去野外写生，让大家感受大自然的美好，深深领悟大自然的奥妙无穷，从而激发出心里的灵感，去创作艺术。
2.3 教师加强自身的专业水平和素质培养 教师在高校艺术设计的教学上起着重要的引导作用，所以教师自身专业水平的高低和素质能力的提升对于学生来讲起着非常重要的作用。教师在业余生活中，要加强自身专业水平的提高，不断充实自己，可以参加一些展览，多方切磋和交流，吸收大家的精髓，转化成自己的知识。可以参加一些艺术竞赛，提升自己的艺术水平和鉴赏能力，多读一些书籍，多借鉴借鉴其他大师的作品，从而发现自己的不足，充实自己。
教授相关的艺术设计，同时也要提升其他方面的素质能力，作为一名教师，美术设计教学的教师，也要积极的学习其他方面的知识，例如：教育学、心理学、哲学等，这些学科对于教师的教学很重要，可以帮助教师更好的接触到学生的内心世界，从而从根本上帮助到学生，更好的进行艺术设计。
2.4 创造良好的文化学习氛围，更好的开展艺术教学
文化是前面无数的大师积累下来的艺术精髓，我们作为历史的传承者和创造者，有义务去把文化发扬光大。学校在艺术设计教学方面要加大重视，可以通过开展相应的艺术设计比赛，来激发大家的积极性，让大家参与进来，通过设立一些奖品，来鼓舞大家，激励大家。而且在比赛过程中，有专业的艺术大师进行点评。学生通过零距离的和专业人士相接触，会激发他们的上进心，使他们充满信心和勇气投身于艺术中去。
鼓励学生在古典艺术上进行创新，使古典艺术和现代气息相结合，就会迸发出多姿多彩的艺术世界。让学生在理论知识的基础之上，加上创新思维和实践能力，就会更好的激发创作潜能，创造出好的艺术设计。 2.5 国家的大力扶持 艺术设计教学的大力发展离不开国家的重视，所以在教师和学生的共同努力下，再加上国家的大力扶持，加强学校的相关设施设备的建设，和师资力量的建设，为艺术设计注入新的能量和动力。
艺术是发现美、创造美的过程，所以国家可以出台相应的措施，引起大家的关注，从法律的角度加深印象，推动艺术设计的发展。国家可以向相关的学校输入教育人才和艺术专家，大家一起努力把艺术教育教好，从而教育出更好的艺术人才。未来的国家建设离不开创新性的艺术人才，所以我们要一起努力去发现美和创造美，让学生的未来的艺术世界更加的美好。
3 高校艺术设计教育的展望
未来社会需要多方面发展的人才，所以教师的责任很大，德智体美劳全面发展。美就是艺术的一种展现形式，怎样发现美，并且创造美就是摆在教师面前的一个重要问题。我们教师在平时的教学活动中，要不断的摸索和创新，在教学中，逐渐的过渡，让学生养成自主学习的好习惯，培养他们自身的创造能力，让学生拥有独特的思维和视角来看待事物，来感受艺术，创造艺术，谱写自己的艺术人生。
在艺术设计这门课程中，尤其美术设计是比较能反映学生的艺术功底，内心世界的想象，然后通过自己手中的笔来把自己的内心世界展现出来，加上了自己的灵魂，使之具有生命力，使读者感悟其中的精神，来达到艺术的升华。
在国家、学校和教师的多方配合之下，再加上学生自己的努力，我相信，在不久的将来，高校艺术设计教学会越来越进步，学生的创造能力也会越来越强，艺术设计也会发展的越来越好。
4 总结
二十一世纪需要全面发展的人才，所以学生在加强自身专业知识的基础之上，在学习艺术设计的过程中，不断加深自身的艺术修养，培养自己的创新意识，才能真正的创造出艺术。
新时代新要求，我们要立足现实不断前进，在实践的基础上，不断加深自身的艺术功底和创作能力。教师是领头羊，要在课堂上把知识从多方面、多角度去向学生讲述，使学生明白艺术的精髓，从而更好地去创作。
艺术是展现美的一种途径，所以未来的人才一定要有一定的审美能力，去创造和发现美丽的事物，加上自己的精神和灵魂，创作出自己的艺术，开创自己的艺术人生。
参考文献：
[1]方松林.高等艺术设计教育的发展与创新[M].美术大观，2009，9.
[2]李刚.高等艺术设计实践教学的现状及创新思路[M].中国电力教育，2008，1.
[3]包建国.专业技能型设计师素质培养新探[J].教育与职业，2006，(17).
猜你喜欢：
