与美术相关的论文
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工艺美术大师杨坚平简谈传统工艺美术
最好的石雕在欧洲，最好的木雕在中国。中国木雕遍布近20个省市，但目前还没有这方面的系统性研究，这是一个很大的遗憾。传统工艺美术既重要又处于弱势。传统工艺美术是我国文化遗产中的一项瑰宝，是祖国几千年传承下来的优秀传统技艺的精华，是世界非物质文化遗产的重要组成部分，这是它的重要性。杨坚平认为人生在世，最大的价值就是多出几本书，留给后人一些文化论著、思索的东西。
杨坚平在开展传统工艺美术理论研究工作遇到的难处很多：第一，本行业人员素质相对比较差，要他们来写技艺总结非常困难。如果要让行业外面的人来写难度更大，他们对于本行业的历史技艺不熟悉，也不愿意进行田野调查。第二，投入多，得益少;时间长，回报少。难度最高的应该算是撰写吧。因为传统工艺理论的提升需要如实地反映历史，它不可能记载成相传什么年代都可以，而必须是有依据，即史实上的依据、实物上的依据。这本身就要求作者要有广博的知识，还要查找很多书和史料。以杨坚平出版的《木头上表演的戏剧》为例，要查出一百部潮剧的历史故事，所以光查这一百部的故事就很困难了。
杨坚平提出现今一些书籍上犯错误的例子，如上海古籍出版社出版的《中国彩瓷》，其中把潮彩写成福建的东西。他表明这说明作者本身态度不严肃，这也是学术的问题，犯这样的错误很不应该。所以一方面要加强理论研究工作，另一方面撰著作者的态度和严肃性也很重要，不然书一出来就会引起后人的误导，本来是件好事却变成坏事了。
现在全国传统工艺的制作水平与几十年前相比，从总体上来看，杨坚平觉得现在的作品还不够优秀，绝大多数的作品没办法超越历史水平。一个是社会的原因，就是待遇的问题。清代宣统年间，从事粤绣创作真正有本事的名艺人、名师，一天的工资待遇达到一至两个大洋，而当时普通工人一个月的工资才一个大洋。因此，大量的超越历史的刺绣技艺都是那个时候创造出来的。当前，做刺绣的，状况非常不乐观。第二个原因是现在存在于传统工艺艺人群体中的一个普遍问题，即艺人追求名利而很少追求艺术精品。而且在艺人中间弥漫着这么一种情绪：都认为自己了不起。他们听不进别人对他们的批评和意见，现在我们传统工艺美术艺人中间的毛病就在于缺乏“自知之明”。
传统工艺现今在创作方面出现了四种怪现象，即“大”“搬”、假”、炒”。“大”表现在追求作品的大尺度上，像汕头就出现了像篮球场那么大的“石拼画”。那是用各种各样的小石头拼起一个“蒙娜丽莎”。工艺美术不是大就好，工艺美术是实实在在的，历史上也有一些小而精、非常好的艺术品。求“大”，其实是违背了工艺美术“适用、经济、美观”的创作原则。“搬”指的是模仿照搬。如一卷《清明上河图》，被反反复复搬上木雕、瓷板画、刺绣、石雕，甚至成为泥塑的摹本。“假”这方面杨坚平曾经去调查研究过，广州的、潮州的、湖南的人都拿刺绣品到苏州镇湖那边去做，做完之后拿回来的粤绣、湘绣或汴绣，其实都是些假货。“炒”的问题在工艺美术这个领域也很严重。为了抬高艺术大师的身价，很多人常常在报刊里头说某个艺术品的价格要3000万、8000万，有时候还报道大师不愿意卖出的消息，真实性如何，大家都心知肚明。
潮汕木雕是潮州市传承千年的民间传统手工艺，在木雕史上有着重大的发展并取得辉煌的成就。杨坚平有多部著作是关于潮汕木雕的。对于潮汕木雕的发展，要借助于当前全国在抢救民族民间文化艺术遗产工程的契机，依托汕头潮汕工艺美术研究院这个为民间工艺家服务的“平台”，宣传推介潮汕木雕艺术家的艺术成就;艺人们更应该迫切地改变旧观念，提高与时俱进的新思路，扬长避短。潮州的木雕艺术，其镂通雕技艺是别的地方所不能及的，是艺术性较高的雕刻技艺，是潮汕之所长。但因为技艺越高，纯手工雕刻时间较长，造价稍高，这是潮汕之所短，必须进一步开展学术探讨，创新同现代建筑装饰结合的艺术水平较高、价格适当的新作品。
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舞台美术与文化传承
一、舞美设计的多元化发展
21世纪是经济全球化而文化多元的时代，随着各种技术文艺的创新，越来越多的时尚发展被要求赋予这个时代应有的内涵，无一例外，舞美设计也正顺着多元的方向蓬勃兴盛。不得不提舞美设计实质是一种特殊的演出。演出最初的给人的印象大多是起源于一些服装和小道具的，后来逐渐完善，加上布景，给观者添上一副更美的视觉彩宴。再后来演出场所也由室外走向室内，一来略显高端阔气，二来也打消了坏天气侵袭的顾虑，第三也是最为重要的，室内的灯光也成了可以利用的元素。
而舞美设计的发展却不完全依照演出的组成元素，它兼容并蓄，内容形式并多元。组成元素由简单的布景灯光升级为多元，艺术造型由单一走向多元，再加之将社会、灵感、形象与抽象思维紧密结合在一起的现代化思维和雄厚的科技力量的支撑，才为舞美设计的发展铺好了多元路。
“?术的生命就是深刻的思维和崇高的激情。”是法国著名画家安格尔的名言，也正如文学巨匠鲁迅先生也曾提及“文艺创作开掘要深”。这都启示舞美设计要想真正繁盛，必须将这种艺术形式赋予思想的深度与深远的文化内涵从而实现质的飞跃。面对世界文化的多元，舞美设计的现代化发展必须要有形式和内容的统一，而其思想深度，又要求它作为一种载体，重现一种精神。
二、舞台服装中的舞美文化内涵
艺术源于生活，与我们有很大的联系。舞台服装的存在可以更好的彰显舞台的人物形象，使之表现的更加生动，更能凸显出舞台人物形象的底蕴和内涵，从而满足观众们的视觉审美需求[2]。舞台服装作为舞台艺术的一个表现形式，无论是以前，还是现在其作用都是十分重要的。在音乐和舞蹈以及戏剧的配合下，舞台服装对舞台人物角色的展示，体现了舞台服装的文化魅力，与此同时也带给观者唯美的视觉盛宴。舞台服装之所以不为空洞，是其背后的舞美文化熠熠发光。舞美服装作为一种物质载体，塑造出不同风格的人物形象，带来的是一种语无伦次的静态美;舞美文化作为服装背后的文化精髓，带给观者的是透过服装的欣赏与思考，是沉浸在服装背后不可磨灭的精神脊梁，这不关乎于组成元素与技术，这是埋藏在年华的艺术的风味。舞美文化丰富了舞台服装，包装了舞台服装，让舞台服装包裹着艺术的气息，文化的芬香。
三、坚持舞台服装创作中的舞美文化传承
传统文化是中华文化的重要组成部分，对待传统文化我们给予取其精华，去其糟粕，批判继承，古为今用的态度。优秀的传统文化可以提高事物的可欣赏度，带领我们领略那一股朦胧的文化精神。
为了更好地体现舞台服装的丰富内涵，增强欣赏者眼前一亮的创新体验感，我们在舞台服装创作过程中不仅要求舞台服装能够符合时代性的考验，更要坚持对舞美文化持取其精华而古为今用的态度。在舞台服装的创作中，坚持对舞美文化的传承，更好地展现舞台服装，是支撑我们努力下去的信条，但是我们所展示的舞台服装不是表面简单的布与布的交错剪裁与拼合，更重要的是服装背后所阐释的文化精神，这是一种对舞美文化的尊崇[4]。也恰好是由于在创作过程中坚持赋予服装以文化内涵，才让舞台服装更加丰富多彩，富有韵味。
坚持舞台服装创作中对舞美文化的传承，这不仅仅是对服装造型的发展，更是对文化精神的阐释。以舞台服装为载体，我们更能深刻地体会到服装背后蕴藏的舞美文化的味蕾。通过传承舞美文化，舞台服装所潜藏的文化精神也会逐渐让更多人津津乐道，舞台服装这种演绎形式也会让更多人所接纳。
坚持舞台创作中的舞美文化传承，让我们透过舞台服装，看到了那更深层次的舞美文化。舞台服装是欣赏后加以考量才接受的，而舞美文化是知晓以后加以思考才接纳的。坚持赋予舞台服装以悠远的文化韵味，让我们看到服装创造者们，这些未来的接班人，他们对于舞美文化真诚地热爱。传承舞美文化是对发展舞台服装提出的不从放弃的要求，只有坚持传承舞美文化，才让舞台文化有味可寻，有美可欣。
发展舞台服装，不可以忽视对舞美文化的传承。一个“美”字美至今，只因文化源远流长魅力永不减!
舞台艺术是一种特殊的艺术形式，是对艺术的创新与发展，而舞台服装更是这一艺术中的新颖之作。为让服装变得富有生机活跃起来，创作者们为服装实现走上舞台的初梦，加以时代追求的风格，镶嵌潭潭发香的传统文化的风韵，演绎不同的时代角色，逐渐一种独特的舞美文化，熏陶出一种浓厚的文化氛围。借以带给人们赏心悦目的服装，传播一种文化的盛宴。
我们可以不去寻找美，但一定要拥有一颗善于发现美的心灵之窗。我们可以不依赖服装去装饰我们自己，但我们要学会去欣赏衣服内在所演绎的文化精神。舞美文化为中华文化的发展画上一篇精彩纷呈的景象，如今也发展成一匹深远的文化树洞，越来越成为生活中不可或缺的文化支柱。
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